Difficile de faire son choix de professionnels de la peinture surtout que le nombre d’entreprise de peinture en Suisse augmente de plus en plus chaque année.
Autant qu’entreprise de peinture exerçant depuis plus de 10 ans dans ce domaine en Suisse, nous savons profondément l’importance de cet élément de l’architecture et de l’espace.
De ce fait, nous avons décidé de créer cet article pour définir le rôle de la peinture dans une architecture et son influence sur la lecture de l’espace.
La couleur d’une peinture c’est la lumière, beauté et harmonie, mais aussi équilibre mental, confort et excitation.
Les couleurs de la peinture en architecture présentent une nécessite pour embellir, mettre en valeur, illuminer et séparer les espaces… et aussi pour transmettre sensations et confort.
Un exemple : La couleur d’une peinture d’un bâtiment c’est comme la présentation d’un produit et agit comme un stimulus de soin pour créer une première impression, favorable ou négative. Les couleurs intérieures influencent notre corps, notre caractère, notre comportement et notre humeur.
Le choix d’une peinture c’est donc basé sur des facteurs statiques mais aussi psychologiques, culturels et sociaux.
Couleur et architecture, retour à l’histoire
L’histoire de la peinture
- Comment la peinture a-t-elle été inventée
La peinture est apparue à la préhistoire, lorsque les nomades ont utilisé des peintures sur les parois rocheuses. Ils ont fait des dessins au fusain laissant des traces dans les grottes où ils passaient.
Une découverte récente faite en Espagne a révélé que les peintures les plus anciennes découvertes à ce jour, réalisées par des humains, ont été réalisées il y a plus de 42 000 ans.
Qui a fait le premier tableau ?
La première peinture a été réalisée par des hommes primitifs, qui auraient été réalisés par Homo Neanderthalis à l’époque préhistorique. Des fouilles archéologiques menées en Europe, en Afrique et en Asie révèlent que les hommes primitifs furent les premiers peintres et sculpteurs et témoignèrent à travers ces arts de leur quotidien.
Des archéologues et des anthropologues ont étudié et daté ces découvertes. Les pièces extraites des fouilles présentent des documents historiques véritables témoignages du début de la vie de l’homme dans des temps reculés et de cultures éteintes.
Une découverte récente dans la grotte de Nerja, à Malaga, en Espagne; a découvert des peintures vieilles de plus de 42 000 ans, et elles peuvent changer nos idées sur l’évolution de l’humanité.
Les peintures ont été trouvées dans les grottes de Nerja; à 60 km à l’est de Malaga, dans la région sud de l’Andalousie.
Jusqu’à présent, les archéologues pensaient que l’art le plus ancien avait été créé à l’époque aurignacienne par l’homme moderne.
Mais ceux-ci sont beaucoup plus anciens, beaucoup plus primitifs que ceux de la grotte Chauvet-Pont-d’Arc, (qui étaient les peintures les plus anciennes découvertes à ce jour et qui datent de 32 000 ans)
Nous pensons que l’histoire de l’art était réservée aux humains évolués, que notre sensibilité était “une partie intime de nous-mêmes, les sapiens, parce que nous pensons que nous sommes les penseurs”. Cette découverte, si elle on la confirme par des tests supplémentaires, prouve que cette idée centrée sur les sapiens est fausse.
Selon les données scientifiques disponibles, ces images n’auraient pu être prises que par Homo Neanderthalis au lieu d’Homo Sapiens, chose totalement impensable jusqu’à cette découverte.
Où le premier tableau a-t-il été réalisé ?
On pense que la première peinture, également connue sous le nom de peinture rupestre ou art rupestre, a été réalisée dans des abris, des grottes, qui étaient utilisées par les nomades pour se protéger.
Les premières peintures ont été réalisées sur les murs et les plafonds des grottes.
Ces premières peintures découvertes par les archéologues, sont des peintures vibrantes utilisant plus de trois couleurs. Ce sont des peintures qui ont tenté d’imiter la nature avec un maximum de réalisme, en se basant sur des observations faites lors de la chasse. Dans une grotte à Altamira en Espagne; il y a une peinture rupestre du Bison (ancêtre de la Vache), impressionnante par sa taille, son volume et pour l’utilisation de la technique du clair-obscur.
Dans d’autres endroits, les peintures faites par les humains; mettent en évidence le succès des chasseurs, dans d’autres montrent des animaux marqués par des flèches.
Quelle que soit la justification, le désir de faire de l’art, ou le désir d’inscrire la vie quotidienne de cette époque, l’art rupestre conservé depuis des millénaires nous a permis aujourd’hui de transformer ces lieux en premiers musées de l’humanité.
Une grande partie de ces peintures découvertes apportent des figures d’animaux, de plantes, d’objets avec plus ou moins de réalisme, il y a aussi des représentations graphiques et abstraites, des scènes complexes, de nombreux archéologues et scientifiques discutent de la signification de ces peintures.
Mais en général, ils pensent qu’ils peuvent être liés à des rituels pour attirer la bonne chasse; la fertilité, conjurer le danger, ou simplement donner un langage symbolique aux idées, aux sentiments ou à la vie quotidienne.
Quelle est l’origine de la peinture ?
L’origine de la peinture telle que nous la connaissons aujourd’hui; selon les historiens, est née à la période néolithique, (X du millénaire avant JC) lorsque la peinture rupestre commence à décliner en raison du développement de l’agriculture et de la société, apparaissant dans la Grèce antique et perfectionné plus tard par les Romains.
Vers 3000 avant JC, de petits villages ont commencé à apparaître en Grèce continentale et une tradition de peinture sur des objets en céramique, tels que des vases et des pots, a commencé.
Développement de la perspective visuelle
Vers le XIe siècle avant J.-C. dans la Grèce antique, la peinture se développe et apporte plusieurs innovations.
Le développement de la perspective visuelle et de l’ombrage volumétrique pour donner une profondeur tridimensionnelle à la représentation de scènes complexes. Les peintures sont devenues plus réalistes; en plus d’avoir développé un modèle de corps humain plus naturel et idéaliste qui, jusqu’à aujourd’hui; est devenu une grande tradition pour la base de la peinture que nous connaissons aujourd’hui.
Les matériaux utilisés à cette époque sont la trempe à l’œuf; l’émaillage à la cire, autre innovation grecque, et la fresque pariétale, utilisant des pigments minéraux et végétaux en milieu aqueux.
Les couleurs préférées étaient le blanc, le noir, le jaune ocre et le rouge; le vert et le violet étaient les tons les moins permanents et les moins utilisés, et le bleu était très cher, produit en broyant une pierre semi-précieuse, le lapis-lazuli.
Toutes ces techniques et motifs sont devenus la base et fondent la peinture romaine puis occidentale, et sont encore largement utilisés dans la pratique de la peinture contemporaine aujourd’hui.
Démocratisation de l’Art de la peinture
L’art de la peinture devenu viral lorsque des villes et des sociétés se sont formées et que plusieurs écoles se sont formées, rivalisant les unes avec les autres.
De nombreux peintres devinrent célèbres, comme Agatharque, Polygnote, Apelle et Zeuxis; leurs œuvres valaient des fortunes et étaient avidement collectionnées par les Grecs et les Romains. Malgré son importance, elle n’est essentiellement connue que pour son héritage aux Romains, qui l’ont ensuite transmise à une époque récente.
Ce sont les Romains qui doivent l’essentiel de leurs connaissances actuelles sur ce qu’était la peinture grecque; en raison de la perte importante de pièces matérielles due aux catastrophes naturelles qui ont détruit les villes grecques et tout ce qu’elles contenaient, ils étaient les seuls à avoir appris avec les Grecs comme ils ont été peints.
Bien que les Grecs soient restés la référence fondamentale tout au long de l’histoire de la peinture romaine, les Romains ont su introduire leurs propres lectures dans la tradition reçue; créant un langage individualisé et créant de nouvelles compositions.
Les Romains ont mené des recherches grecques sur la tridimensionnalité, et ont construit des scènes urbaines d’une grande complexité architecturale et spatiale; avec un effet plastique et d’illusion impactant, qui ont été peintes dans plusieurs grands espaces tels que des palais aristocratiques et des villages.
Ses dernières étapes témoignent de l’influence de l’art oriental et égyptien, et développent un style exubérant et élégant, dit « baroque ».
Insérées dans des décors architecturaux, les peintures montraient un amour du détail et des scènes d’une grande force expressive. En plus des peintures murales, les Romains ont été des pionniers et ont utilisé d’autres types de matériaux pour exprimer la peinture, tels que le tissu, le bois, l’ivoire, le métal, la pierre et la toile.
L’intégration de la couleur à la conception architecturale
Les premiers architectes qui ont transmis le savoir sur la couleur
Dans les sources écrites, l’une des premières références à la couleur en architecture se trouve dans le traité de Vitruve, l’architecte romain qui a vécu au 1er siècle.
Traité de Vitruve, livre 7
Dans le livre 7, Au chapitre 7, il traite des couleurs naturelles et se concentre sur la description des pigments et des colorants; ainsi que sur l’endroit où ils peuvent être trouvés.
Vitruve n’établit pas de distinction entre couleur et substance colorante, confondant les deux notions :
Il déclare : « Quant aux couleurs, certaines sont des produits naturels trouvés en des lieux fixes et creusés là, tandis que d’autres sont artificiels. Composés de différentes substances traitées et mélangées dans des proportions appropriées de manière à être également utilisables. »
Dans les chapitres 10 à 14 du livre 7, il aborde les couleurs artificielles (encore une fois entendues comme des matières colorantes); décrivant la manière de les produire. Les deux derniers chapitres sont consacrés au colorant violet obtenu à partir d’un coquillage marin et à ses éventuels substituts.
En outre, on trouve aspect intéressant inclus dans le chapitre 3 du livre 7; sur la voûte et le travail du stuc, où il décrit les apparences obtenues avec des instruments de polissage : « De même qu’un miroir d’argent formé d’une plaque mince réfléchit indistinctement et avec une faible lumière; tandis qu’un qui sensiblement fait peut prendre un très haut poli, et reflète une image brillante et distincte quand on y regarde; il en est ainsi avec le stuc [. . .] il n’est pas seulement brillant après avoir été soumis à des polissages répétés; mais reflète également sur sa surface une image claire du spectateur.
Traité de Vitruve, livre 6
‘ conception de la couleur, simplement comme des substances colorantes ou des peintures “dont on peut orner le mur” (Livre 6, chapitre 9) : “Des surfaces peintes, certaines sont faites pendant que le travail est frais, et d’autres quand il est sec. Toutes les couleurs naturelles qui proviennent de la terre, des mines ou autres, conviennent aux peintures à fresque; mais toutes les couleurs artificielles, et surtout celles qui s’altèrent au moyen du feu, exigent une surface bien sèche.
Au chapitre 10 du livre 7, Alberti fait une observation qui relie la couleur aux valeurs ou préférences esthétiques. Lorsqu’il traite de la décoration des temples, il dit : “Je suis tout prêt à croire que la pureté et la simplicité de la couleur, comme de la vie, doivent être des plus agréables à l’Être divin.”
Cependant, en se référant strictement aux valeurs esthétiques de l’architecture, il adopte un point de vue assez étroit, n’incluant que les aspects géométriques – figures et formes, nombre, position ou l’emplacement, la congruence des parties, la proportion, la composition géométrique – sans aborder la couleur ou d’autres aspects de l’apparence (Livre 9, Chapitres 5-7). Le traitement de la couleur dans le livre d’Alberti Sur la peinture (1435) c’est tout autre.
Ici, l’approche est beaucoup plus abstraite et philosophique, reliant la couleur à la lumière et faisant une classification des couleurs.
Il se réfère même à la valeur affective ou émotionnelle des couleurs. Ce qui peut être remarqué comme étrange, c’est qu’il ne suive pas cette conception plus large dans son livre sur terminé 17 ans plus tard.
Architectes du XXe siècle
Passons maintenant aux architectes en exercice qui ont travaillé au début du XXe siècle et considérés comme les maîtres de l’architecture moderne, et examinons leur conception de la couleur.
La figure la plus marquante que l’on puisse trouver dans ce contexte est Le Corbusier (1887-1965). Ses premiers écrits sur la couleur apparaissent dans les articles sur le purisme et le cubisme rédigés en collaboration avec le peintre Amédée Ozenfant.
L’idée de forme précède celle de couleur
La forme prime, la couleur n’est qu’un de ses accessoires. La couleur dépend entièrement de la forme matérielle : le concept de sphère, par exemple, précède le concept de couleur; conçue comme une sphère incolore, un plan incolore, la couleur ne se conçoit pas indépendamment de quelque support.
Quelques autres articles publiés en 1921, 1923 et 1924 dans la revue L’Esprit nouveau, procèdent plus ou moins dans le même sens, c’est-à-dire en niant toute importance que la couleur puisse avoir dans la construction de l’espace en peinture.
C’est que quelques années plus tard, dans ses écrits sur la polychromie architecturale de 1931; Le Corbusier semble avoir complètement changé d’avis, au point de citer et d’approuver Fernand Léger qui disait : « L’homme a besoin de couleurs pour vivre; il est un élément aussi nécessaire que l’eau et le feu. De plus, Le Corbusier décrit des exemples de sa propre utilisation de la couleur afin de changer radicalement la perception spatiale de l’architecture, comme dans le quartier conçu et construit à Pessac.
Dans sa monographie écrite pour l’exposition du Pavillon des Temps Nouveaux en 1937, Le Corbusier inclut un chapitre intitulé “Polychromy Joy”, dans lequel il associe les âges créatifs de l’architecture à la vitalité de couleur chromatique et relie l’académisme stagnant au gris triste. À ce stade, il convient de noter qu’il existe une divergence à ce sujet avec d’autres défenseurs de l’architecture moderne qui associent la couleur à la décoration et à l’ornement de l’architecture traditionnelle; par opposition à la pureté blanche que l’architecture moderne devrait présenter.
Il semble que dans ses théories comme dans ses travaux, Le Corbusier ait évolué vers une prise en compte plus consciente et approfondie du pouvoir de la couleur de modifier l’espace.
Environnement
Cela est particulièrement évident dans les bâtiments projetés et construits après la Seconde Guerre mondiale, dans ce qu’on appelle sa période « brutaliste ».
L’importance que Walter Gropius (1883-1969) – un autre des maîtres de l’architecture moderne – accordait aux études de couleurs est clairement montrée dans les programmes du Bauhaus et chez certains des professeurs sélectionnés pour y enseigner : Wassily Kandinsky, Paul Klee, Josef Albers et Johannes Itten, entre autres19.
Dans son livre Scope of Total Architecture (1956), lorsqu’il s’agit de l’éducation que les architectes et les concepteurs devraient recevoir, Gropius inclut des sections sur « Le langage de la vision »,
« Quelques faits biologiques sur notre façon de voir », « Illusions d’optique » et « Influence psychologique des formes et des couleurs ».
Le mouvement néoplasticiste hollandais, organisé dès 1917 autour de la publication De Stijl et issus de la peinture abstraite de Piet Mondrian, ont contribué à créer une meilleure conscience de la théorie et de la pratique des couleurs,21 introduisant la couleur comme déterminant de l’espace, en opposition à sa traditionnelle fonction décorative. Cependant, ce mouvement n’a produit aucune réalisation importante dans le domaine de l’architecture et design, à l’exception de quelques œuvres de Theo van Doesburg (1883-1931) — le cabaret Aubette ; Jacobus Johannes Pieter Oud (1890 –1963)—le restaurant De Unie ; et Gerrit Rietveld (1888 –1964)—la maison Schröder, sa célèbre chaise, et quelques autres dessins. De ces exemples, seul Rietveld réussi à faire une véritable organisation spatiale de la couleur et
plans, tandis que les autres continuaient à produire des transpositions bidimensionnelles des éléments néoplasticistes de la peinture à l’architecture (fig. 13). Les influences se sont exercées plus à travers les manifestes théoriques et l’imagerie de projets, dessins et maquettes qu’à travers des bâtiments réels.
Architectes qui ont développé la couleur
Parmi les contributions à la théorie des couleurs provenant du domaine de l’architecture :
L’architecte anglais William Benson a publié dans 1868 un livre intitulé Principes de la science de la couleur, où il fait une revue historique des études de couleur et présente un système d’ordre des couleurs organisé en forme cubique; qui semble être la première de ce genre dans la chronologie de systèmes d’ordre des couleurs.
L’architecte argentin Julio Villalobos était coauteur, avec son père, Ca´ndido Villalobos Domı´nguez (1881–1954), de l’Atlas des couleurs, publié en Buenos Aires en 1947.
Cet atlas, organisé selon un système avec une forme prismatique hexagonale, comprend 7279 couleurs imprimées échantillons et était au moment de son apparition la plus grande collection systématique de couleurs jamais publiée.
Le savant suédois Sven Hesselgren (1907-1993) était un théoricien de la couleur et architecte en exercice. Au début de sa carrière, il a essayé de mettre en pratique les harmonies de couleurs développées par Ostwald en les appliquant dans un projet d’hôpital.
Selon ses propres mots, les résultats étaient « terrifiants ».
Plus tard, il a développé un système d’ordre des couleurs qui était l’un des les antécédents qui ont donné naissance au Natural Color System. Ces deux faits montrent à eux seuls à quel point il était intéressé à la fois par la recherche de couleurs et par les tests résultats de la recherche dans la pratique architecturale.
En outre, dans son livre The Language of Architecture, Hesselgren de vote plusieurs chapitres à colorier et présente une première tentative à développer une représentation graphique d’un ordre de couleur système qui comprend les modes d’apparition décrits par David Katz. Ce modèle pourrait être considéré comme un modèle normal espace colorimétrique tridimensionnel se déplaçant le long d’un plan bidimensionnel, comprenant donc cinq dimensions.
Théorie de base des couleurs
La théorie des couleurs englobe une multitude de définitions, de concepts et d’applications de conception – suffisamment pour remplir plusieurs encyclopédies. Cependant, il existe trois catégories de base de la théorie des couleurs logiques et utiles : la roue chromatique, l’harmonie des couleurs et le contexte d’utilisation des couleurs.
Les théories des couleurs créent une structure logique pour la couleur. Par exemple, si nous avons un assortiment de fruits et légumes, nous pouvons les organiser par couleur et les placer sur un cercle qui montre les couleurs les unes par rapport aux autres.
La roue des couleurs
Un cercle chromatique, basé sur le rouge, le jaune et le bleu, est traditionnel dans le domaine de l’art. Sir Isaac Newton a développé le premier diagramme circulaire de couleurs en 1666. Depuis lors, les scientifiques et les artistes ont étudié et conçu de nombreuses variantes de ce concept. Les divergences d’opinion sur la validité d’un format par rapport à un autre continuent de susciter des débats. En réalité, tout cercle chromatique ou roue chromatique qui présente une séquence logiquement arrangée de teintes pures a du mérite.
Couleurs primaires
Rouge, jaune et bleu
Dans la théorie traditionnelle des couleurs (utilisée dans la peinture et les pigments), les couleurs primaires sont les 3 couleurs pigmentaires qui ne peuvent être mélangées ou formées par aucune combinaison d’autres couleurs. Toutes les autres couleurs sont dérivées de ces 3 teintes.
Couleurs secondaires
Vert, orange et violet
Les couleurs formées en mélangeant les couleurs primaires.
Couleurs tertiaires : Jaune-orange, rouge-orange, rouge-violet, bleu-violet, bleu-vert et jaune-vert
Les couleurs formées par le mélange d’une couleur primaire et d’une couleur secondaire. C’est pourquoi la teinte est un nom composé de deux mots, comme bleu-vert, rouge-violet et jaune-orange.
Harmonie des couleurs
L’harmonie peut être définie comme un arrangement agréable de parties, qu’il s’agisse de musique, de poésie, de couleur ou même d’un sundae de crème glacée.
Dans les expériences visuelles, l’harmonie est quelque chose qui est agréable à l’œil. Cela engage le spectateur et crée un sens intérieur de l’ordre, un équilibre dans l’expérience visuelle. Quand quelque chose n’est pas harmonieux, c’est soit ennuyeux, soit chaotique. À un extrême se trouve une expérience visuelle si fade que le spectateur n’est pas engagé. Le cerveau humain rejettera les informations sous-stimulantes. À l’autre extrême se trouve une expérience visuelle tellement exagérée, tellement chaotique que le spectateur ne supporte pas de la regarder. Le cerveau humain rejette ce qu’il ne peut pas organiser, ce qu’il ne peut pas comprendre. La tâche visuelle exige que nous présentions une structure logique. L’harmonie des couleurs offre un intérêt visuel et un sens de l’ordre.
En résumé, l’extrême unité conduit à la sous-stimulation, l’extrême complexité conduit à la sur-stimulation. L’harmonie est un équilibre dynamique.
Quelques formules pour l’harmonie des couleurs
Il existe de nombreuses théories sur l’harmonie. Les illustrations et descriptions suivantes présentent quelques formules de base.
1. Un jeu de couleurs basé sur des couleurs analogues
Exemple d’harmonie de couleurs analogue
Les couleurs analogues sont trois couleurs côte à côte sur une roue chromatique en 12 parties, comme le jaune-vert, le jaune et le jaune-orange. Habituellement, l’une des trois couleurs prédomine.
2. Une palette de couleurs basée sur des couleurs complémentaires
Les couleurs complémentaires sont deux couleurs qui sont directement opposées l’une à l’autre, comme le rouge et le vert et le rouge-violet et le jaune-vert. Dans l’illustration ci-dessus, il existe plusieurs variations de jaune-vert dans les feuilles et plusieurs variations de rouge-violet dans l’orchidée. Ces couleurs opposées créent un contraste maximal et une stabilité maximale.
3. Une palette de couleurs basée sur la nature
La nature offre un point de départ parfait pour l’harmonie des couleurs. Dans l’illustration ci-dessus, le jaune rouge et le vert créent un design harmonieux, que cette combinaison s’intègre ou non dans une formule technique d’harmonie des couleurs.
Contexte de couleur
Le comportement de la couleur par rapport aux autres couleurs et formes est un domaine complexe de la théorie des couleurs. Comparez les effets de contraste de différents arrière-plans de couleur pour le même carré rouge.
Le rouge apparaît plus brillant sur un fond noir et un peu plus terne sur un fond blanc. Contrairement à l’orange, le rouge apparaît sans vie ; contrairement au bleu-vert, il présente de la brillance. Notez que le carré rouge apparaît plus grand sur le noir que sur les autres couleurs d’arrière-plan.
Si votre ordinateur a une stabilité des couleurs et une correction gamma suffisantes (lien vers Votre ordinateur est-il daltonien ? ), vous verrez que le petit rectangle violet à gauche semble avoir une teinte rouge-violet par rapport au petit rectangle violet à droite. Ils sont tous les deux de la même couleur que sur l’illustration ci-dessous. Cela montre comment trois couleurs peuvent être perçues comme quatre couleurs.
Observer les effets des couleurs les unes sur les autres est le point de départ pour comprendre la relativité des couleurs. La relation entre les valeurs, les saturations et la chaleur ou la fraîcheur des teintes respectives peut entraîner des différences notables dans notre perception de la couleur.
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Introduction à la psychologie de la couleur
Les couleurs provoquent des perceptions que nous devons comprendre;
La lumière blanche du soleil se décompose en couleurs :
- Rouge
- Orange
- Jaune
- Vert
- Bleu
- Violet
Ces couleurs sont divisées en couleurs primaires ou fondamentales (jaune, rouge et bleu) et en couleurs secondaires (orange, vert et violet) résultant d’un mélange des couleurs ci-dessus.
Les couleurs sont également classées en couleurs chaudes (rouge, orange, jaune) et en couleurs froides (bleu, vert, violet).
Effet des couleurs de la peinture dans l’architecture
La couleur est un élément clé de la nature ainsi que de la peinture de l’architecture et de l’architecture d’intérieur. La couleur joue un rôle de premier plan dans l’influence de l’expérience humaine de l’architecture.
Les peintures dans un espace influencent la façon dont les humains se sentent et elles stimulent nos sens. L’architecture et la peinture sont fortement liées l’une à l’autre. Les couleurs sont liées au symbolisme et à notre psychologie qui peuvent évoquer nos émotions. Ils révèlent la pureté d’un espace.
La couleur montre certains aspects des détails architecturaux et affecte visuellement nos sentiments et notre psyché. La palette de peinture utilisée dans la conception des bâtiments n’est pas seulement associée à l’esthétique; mais elle influence également nos émotions et nos communications.
C’est un outil global de communication visuelle qui véhicule les messages. Les couleurs de la peinture utilisées par les architectes et les designers d’intérieur ont des associations d’humeur et des effets psychologiques sur les humains. Certains environnements sont créés liés à la perception sensorielle de différentes couleurs.
La perception d’un espace inférieur est créée lorsqu’une peinture plus foncée est utilisée au plafond. La sensation d’un espace plus court et plus étroit est produite lorsqu’un ton plus foncé est utilisé sur le mur.
Dans les bâtiments de santé, certaines palettes de couleurs sont utilisées compte tenu de leur impact sur la santé des patients et leur rétablissement. Dans les bâtiments scolaires, des couleurs vives sont appliquées pour évoquer le développement psychologique et créer des stimuli positifs chez les enfants.
Si vous voulez une assistance professionnelle pour l’optimisation de l’espace de votre propriété à Genève Suisse, contactez une entreprise de peinture professionnel en Suisse.
Différentes couleurs de peinture sont dramatiquement associées à différentes sensations et émotions en ce qui concerne la culture et les expériences.
Rouge
La couleur rouge représente l’énergie, la passion ou la chaleur. Le rouge également perçu comme effrayant en raison de son association avec le sang. Généralement utilisé dans les bâtiments commerciaux, les restaurants et les magasins. Certains accents de peinture rouge peuvent être utilisés pour mettre en valeur certains éléments d’art dans l’espace.
Orange
Orange est une couleur de créativité et d’enthousiasme. Il est normalement utilisé dans les écoles, les studios et les bureaux. Il crée des espaces conviviaux, calmes et apaisants.
Jaune
Le jaune représente la positivité, l’éclat, la convivialité, la vivacité et la joie. Il est souvent utilisé dans les bâtiments commerciaux, les restaurants, les jardins d’enfants et les garderies. Il est également utilisé pour mettre en valeur certains éléments d’un espace.
Vert
Une peinture verte évoque la sérénité, le calme et la chaleur. Utilisée dans la décoration intérieure des centres de santé, des hôpitaux; des cliniques et des espaces de détente car c’est associé au bien-être et à la tranquillité.
Bleu
Bleu représente l’optimisme, la sécurité et la confiance. C’est régulièrement utilisé dans les zones commerciales; les bureaux et les banques pour créer une architecture apaisante et fraîche. On utilise la peinture bleue pour garder les humains alertes et actifs.
Violet
Le violet évoque le calme, la douceur, la détente et le bien-être.
Blanc
Associé à la propreté et à la pureté. Il donne une sensation de calme et d’alerte. Il rend les espaces architecturaux plus larges et plus lumineux.
Les couleurs de la peinture utilisées dans nos espaces architecturaux ont un impact sur notre système nerveux; qui peut être positif ou négatif. Les bâtiments aux couleurs diverses et vives peuvent nous donner des sentiments optimistes et nous faire sentir mieux. Différentes combinaisons de couleurs peuvent être utilisées en architecture telles que:
- Monochromatique
- Analogue
- Complémentaire
- Complémentaire divisée
- Triade
- Tétrad
- Carré.
La théorie des couleurs de Kandinsky en architecture
Si vous envisagez une rénovation dynamique pour votre intérieur; laissez-vous inspirer par le maître de la couleur; notre entreprise de peinture en Suisse peut vous accompagner dans tous vos projets aussi ambitieux soient-t-ils.
L’art de Wassily Kandinsky a exploré la relation entre la couleur et ses spectateurs. Il a évité les gris, les bruns et les noirs du cubisme, adoptant la couleur comme principal véhicule d’expression.
Ce faisant, il a complètement séparé la peinture du besoin de représenter un sujet. Le but de l’art de Kandinsky était de capturer la musique dans un médium plastique; d’évoquer les mêmes sentiments qu’un morceau de musique pourrait évoquer à travers les nuances et les teintes.
Les théories qu’il a développées sur la couleur et la signification se révéleront influentes dans tous les domaines créatifs; le mouvement De Stijl élargissant ses philosophies et incorporant la couleur dans le design et l’architecture industrielle.
Utilisant la roue chromatique, Kandinsky a parcouru chaque teinte; expliquant les sentiments qu’elle évoquait, les émotions qu’elle capturait et le son qu’elle “produisait”.
En parcourant les couleurs de l’arc-en-ciel, voici un échantillon des réflexions de Kandinsky sur la couleur, tirées de son livre “Concerning the Spiritual in Art“; associées à des bâtiments de la base de données Architizer.
Si vous envisagez un produit de revêtement dynamique pour votre prochain bâtiment, laissez-vous inspirer par le maître de tout le spectre :
Rouge
Vivant, agité, s’efforçant avec confiance d’atteindre un objectif, brillant, « maturité virile ».
Traduit en sonorité : « son de trompette, fort et rauque », Fanfare, Tuba, notes profondes au violoncelle, violon clair.
Orange
Un mélange de rouge et de jaune; rayonnant, sain, sérieux. Traduit en son: cloche d’église médium, voix d’alto.
Jaune
“Chaud, effronté et excitant, dérangeant pour les gens, couleur terrestre typique… représentant la folie en couleur; une attaque de rage, une folie aveugle, une rage maniaque.” Traduit en son : des trompettes fortes et aiguës et des fanfares aiguës.
Vert
Immobilité et paix, mais avec une force cachée et passive. “Le vert est comme une grosse vache en très bonne santé, immobile et immobile, capable seulement de ruminer; regardant le monde avec des yeux stupides et ternes.” Traduit en son : violon silencieux en position médiane.
Bleu
Profond, intérieur, surnaturel, paisible. “Soulant vers le noir, il a la connotation d’un deuil qui n’est pas humain … couleur paradisiaque typique.” Traduit en son : la flûte, le violoncelle et l’orgue.
Malheureusement, Kandinsky n’a pas fait la distinction entre le bleu et l’indigo. Apparemment, ils étaient les mêmes pour lui.
Violet
Mélange de rouge et de bleu, « morbide, éteint… triste ». Traduit en son : le cor anglais et le basson.
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